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Cosecha 1991: Los 10 discos que marcaron la historia

A veinticinco años de la última y gran explosión musical, revisamos los álbumes que dejaron huella en el rock, ya sea por sus millonarias ventas, por ser grandiosos debuts o, simplemente, por sus canciones que se convirtieron en clásicos.

Mie 20 abril, 2016 - Diego Montanari
Etiquetas: Blur Guns N' Roses Metallica Nirvana Pearl Jam Queen R.E.M. Red Hot Chili Peppers Soundgarden U2
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Nirvana – “Nevermind”

El histórico y segundo registro de la banda fue publicado en septiembre de 1991, con la producción de Butch Vig y en sucesión de “Bleach”, de 1989.

Contrariando las expectativas comerciales, “Nevermind” superó todos los récords y posicionó al trío estadounidense en la cúspide de la naciente escena grunge.

Con más de 30 millones de copias vendidas, se instaló en el número 17 en la lista de los “500 mejores álbumes de la historia” y alcanzó el primer puesto entre los “100 mejores discos de los ‘90”, según la revista Rolling Stone.

“Smell like teen spirit” se convirtió en el himno por excelencia y en el grito de toda una generación desencantada. Sin embargo, cada pieza de “Nevermind” se defiende sola más allá de este hit, fusionando dos elementos que se vuelven fundamentales: el nivel de composición que rompe con lo habitual y esa extraña capacidad para convertir la amargura en poesía.

Letras depresivas, melodías oscuras y sonidos estridentes aparecen en “Come as you are”, “Lithium”, “Territorial pissings”, “Polly”, “Breed” y “Drain you”, entre otras.

Guitarras sucias, bajo sólido y una batería poderosa se combinan con la voz rasgada y sutil a ratos, generando una alienación perfecta y un caos melódicamente insuperable entre Kurt Cobain, Chris Novoselic y Dave Grohl.

Por todo esto, “Nevermind” se alza hoy en día como un disco de culto, estandarte del fenómeno grunge y, por supuesto, registro insigne del rock alternativo de los años ‘90.

 

Soundgarden – “Badmotorfinger”

Corresponde al tercer álbum del cuarteto de Seattle, publicado el 8 de octubre de 1991, bajo el sello discográfico A&M Records.

En los premios Grammy de ese mismo año fue nominado en la categoría “mejor representación de metal” y, según la revista Guitar World, clasificó en el puesto número 45 de su lista de los “100 mejores álbumes de rock de todos los tiempos”.

Con justa razón, pues “Soundgarden” terminó por instalarse definitivamente en el movimiento grunge con este Larga Duración.

Doce canciones componen el registro, entre las que destacan “Rusty cage”, “Outshined”, “Slaves & bulldozers” y “Jesus Christ pose”.

Una colección que es clave para entender la propuesta de “Soundgarden” y que marca también un puente de enlace entre dos épocas: una anterior cargada al neo-metal que podía ir más allá del mundo alternativo, y una posterior bastante más experimental que encontró su punto de máxima expresión en “Superunknow”, de 1994.

Y si bien “Badmotorfinger” no fue más popular que ese registro que los llevó al primer puesto del Billboard 200, sí es considerado por la crítica y por gran parte de sus fanáticos como el más potente, crudo y auténtico de la agrupación liderada por Chris Cornell.

Un derroche de energía de principio a fin. Inmortal e imprescindible para los amantes del género.

 

U2 – “Achtung Baby”

En noviembre de 1991, el cuarteto de Irlanda sorprendió con una obra maestra en la que redefinió su sonido. “Achtung Baby” fue el séptim­o álbum de estudio de “U2” y el primero en el que incursionaron en teclas del rock progresivo, industrial, sicodélico y dance electrónico.

­­­A nivel de líricas, resultó más oscuro e introspectivo que sus antecesores y para el cuarteto significó una reinvención necesaria, influenciados también por la reunificación alemana.

“Achtung Baby” vendió más de 18 millones de copias, a pesar de que en un minuto estuvo a punto de causar la ruptura entre Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen.

Esto, pues las sesiones estuvieron marcadas por conflictos y serias diferencias entre los integrantes respecto a la nueva dirección musical que estaban buscando.

Y aunque “U2” es de las pocas bandas que inicia el proceso de composición prácticamente de cero, esta vez fue mucho más frustrante y, a excepción de “One”, poco lograron durante su estadía en el estudio Hansa de Berlín. Por lo mismo, tuvieron que regresar a Dublín y terminar de grabar allí casi el disco completo.

Sin embargo, las piezas finalmente cuajaron y con la producción de los ganadores del Grammy, Brian Eno y Daniel Lanois, el disco no tardó en alcanzar el número 1 en la lista Billboard de Estados Unidos, así como el segundo puesto en Inglaterra.

Canciones como “The fly”, “Even better than the real thing”, “Until the end of the world” y “Mysterious ways”, destacan en este registro que es clave en la discografía de los europeos. Además, no tan cargados a los contenidos políticos y sociales, el grupo se sumergió esta vez en temáticas de amor, fe, soledad y traición. La separación matrimonial de The Edge, que ocurría mientras grababan el LP, aportó bastante material en ese sentido.

 

Pearl Jam – “Ten”

Tras la desintegración de la anterior banda del bajista Jeff Ament y del guitarrista Stone Gossard, “Mother Love Bone”, ambos reclutaron al guitarrista Mike McCready, al baterista Dave Krusen y al vocalista Eddie Vedder para formar “Pearl Jam”.

Y fue justo 1991 el año que marcó el espectacular debut de este quinteto, con un disco editado por Epic Records que sentó precedentes e influenció a muchos grupos que aparecerían más adelante en la escena.

Letras oscuras, depresivas y aires melancólicos se funden en los sonidos potentes y guitarras desgarradas que predominan en el listado de once canciones. Y aunque el éxito no fue inmediato, sí llegó más tarde y merecidamente de la mano de tres piezas que pasaron a la historia: “Alive”, “Even Flow” y “Jeremy”. Esta última, inspirada en un adolescente que, en enero de ese año, se había suicidado frente a sus compañeros de clase en Texas.

Pero lo mejor es que, dejando a un lado estos singles, el álbum sigue siendo muy bueno en su totalidad y un representante genuino del movimiento grunge que ellos mismos contribuyeron a fundar.

Con canciones estridentes como “Once” y “Porch” hasta la delicadeza de formas en “Black” y el hipnotismo en “Oceans”, el quinteto de Seattle desborda fuerza y versatilidad que encaja con el particular modo vocal de Vedder, catalogado por algunos como “maniaco-depresivo”.

Convertido en uno de los discos esenciales del rock contemporáneo y certificado trece veces Platino en Estados Unidos por la RIAA, “Ten” delimitó a “Pearl Jam” el camino recorrido en sus siguientes producciones. No obstante, se transformó en un clásico insuperable, tanto así para ellos mismos.

 

Red Hot Chili Peppers – “Blood Sugar Sex Magik”

Mucha vitalidad, ingenio, desenfreno y locura definen a esta quinta entrega del grupo californiano quienes, de la mano del productor Rick Rubin, lograron dar forma a uno de sus mejores trabajos.

Editado en septiembre de 1991 por Warner, “Blood Sugar Sex Magik” expande los horizontes musicales de “Red Hot Chili Peppers” hacia una fusión entre sonidos funk-rap-metal.

El disco alcanzó el puesto 3 en la lista Billboard 200, fue certificado Platino en varias ocasiones y ha sido catalogado por la crítica como uno de los álbumes de rock alternativo más influyentes de todos los tiempos.

Se trata de un registro que incorpora la temática sexual en canciones como “Suck my kiss”, “If you have to ask” y “Sir psycho sexy”; la inestabilidad amorosa en “Breaking the girl”; el altruismo en la merecedora de un Grammy, “Give it away”; y la dependencia a las drogas, la angustia y la automutilación en “Under the bridge”, entre otras. Esta última es prácticamente un espejo de Anthony Kiedis, quien retrata en ella su oscuro paso por el mundo de las drogas.

Así las cosas, “Blood Sugar Sex Magic” cohesiona de forma magistral la actitud contestataria y libertina que se explota en varias canciones, con el bajo descollante y eléctrico de Flea, con reflexiones más sicodélicas que predominan en otras. Estas últimas, muy ligadas también al guitarrista John Frusciante quien, atormentado por sus adicciones y el desgaste de las giras, decidió abandonar la banda en 1992.

Con un sonido potente, incendiario y agresivo, “Blood Sugar Sex Magic” se instaló definitivamente en la historia del rock, dejando la marca registrada de “Red Hot Chili Peppers”. Una que, pese a los intentos, jamás ha sido replicada.

 

Metallica – “Metallica”

Publicado en agosto de 1991, corresponde al quinto álbum de estudio de la agrupación de thrash metal. Fue el primero producido por

Bob Rock y se convirtió en el más vendido en la historia de “Metallica”, con más de 500 mil copias despachadas recién en su primera semana en EE.UU.

Este homónimo, más conocido como “Black Album” en alusión a su evidente portada, innovó en la forma de grabar los instrumentos, al aportar al sonido de estudio una ambientación más cercana al directo.

Además, presentó canciones no tan extensas, ni llenas de cambios bruscos en ritmo e intensidad, como venían haciéndolo en sus trabajos anteriores. En este caso, solo cuatro de doce superan los seis minutos lo que, en parte, les facilitó su difusión en radios y canales de televisión.

“Enter sadman” inicia el recorrido con uno de los riffs más reconocidos en la historia del rock duro. Continúa “Sad bad true” y, desde entonces, un puñado de joyas para los fanáticos del cuarteto de San Francisco, entre las que destacan obviamente “The unforgiven”, “Wherever I may roam”, “Nothing else matter” y “Holier tan thou”, entre otras.

Con este material, el conjunto integrado por James Hetfiel, Lars Ulrich, Kirk Hammett y Jason Newsted se abocó en una intensa gira por Estados Unidos y Europa de tres años, llevando como teloneros nada menos que a “Guns N’ Roses”.

“Black Album” obtuvo el Grammy a la “mejor interpretación de metal” en 1992 y, entre los datos curiosos, las ganancias de esta producción les permitió a los músicos adquirir su primer avión privado. Con toda certeza, se trata de un disco que no solo ha resistido estoico la prueba del tiempo, sino que además ha influenciado a nuevas generaciones que se adentran en la senda del rock.

 

R.E.M. – “Out Of Time”

El séptimo álbum del cuarteto de Georgia fue publicado por Warner Bros. Records en marzo de 1991.

Uno que marca definitivamente un antes y un después para “R.E.M.” pues, del estatus de banda de culto, los llevó a convertirse en una agrupación de carácter masivo.

El disco encabezó las listas en Estados Unidos y el Reino Unido, superó los 18 millones de copias vendidas a nivel planetario y se ganó tres premios Grammy en 1992: uno como “mejor álbum de música alternativa” y dos por el sencillo “Losing my religion”.

Esta canción los lanzó directo al estrellato y, junto con otros singles como “Radio song”, “Near wild heaven” y “Shiny happy people”, el álbum sirvió de inspiración para numerosas bandas que intentaban replicar el estilo, genuino y con carácter, que derrochaban los estadounidenses.

“Out of Time” combinó, además, elementos del pop-rock, con otros del funk, el folk y el country, con guitarras acústicas, bongos y mandolinas como protagonistas. “Para mí, ‘Out of time’ es un disco de retos. Después de que nuestro tour de 11 meses finalizase en 1989 y llegase el momento de escribir el nuevo álbum, Peter (Buck) no quería mirar una guitarra eléctrica, ni mucho menos tocarla. Puesto que todos en la banda eran una especie de multi-instrumentistas, decidieron pasar a instrumentos que eran inusuales para ellos”, declaró el cantante Michael Stipe, en una entrevista al New Yok Times en 1991.

De tal forma, “Out of Time” fue la puerta de entrada para “R.E.M.” hacia un sonido nuevo y más prodigioso. Un track list basado en los arreglos de cuerdas, algunos más nostálgicos y otros más crudos; mientras que, en materia de líricas, se alejan de las temáticas explícitamente políticas para contar historias más personales esta vez.

 

Blur – “Leisure”

En otro estilo, ese mismo año glorioso se gestaba una nueva corriente musical y no menos trascendente. Corría agosto de 1991 cuando “Blur” editaba en el Reino Unido su disco debut, “Leisure”, junto a la casa disquera independiente Food Records.

Alcanzaron el puesto número 7 en el UK Albums Charts y, un mes después, el disco era lanzado en Estados Unidos bajo el sello Emi.

Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree sentaron las bases del movimiento brit-pop con este material, del cual se desprendieron tres sencillos: “She’s so high”, “Bang” y “There’s no other way”, que fue la más popular.

En total, doce pistas componen “Leisure”, que incorpora elementos de la escena ‘shoegazing’, surgida a fines de los ’80 en Inglaterra, y otros tomados del estilo ‘madchesteriano’.

“Blur” nació entremedio del rock sicodélico y la melancolía, pero se agarró del pop-indie y le dio una vuelta a sus influencias con melodías suaves y pegajosas.

Y eso queda patente desde la primera hasta la última canción, pues el disco no varía mayormente en matices, aunque sí incorpora un par de momentos más instrumentales.

Es brit-pop en su más pura esencia y un debut que anticipó los buenos tiempos que se vendrían para “Blur”.

 

Queen – “Innuendo”

Freddie Mercury no podía quedar fuera de esta lista con el último disco de estudio que grabó junto a “Queen”.

“Innuendo” se editó en febrero de 1991 por Parlophone en Europa y Hollywood Records en Estados Unidos y, solo nueve meses después, el cantante falleció producto del VIH contra el que luchaba desde 1987.

Sin embargo y, pese a encontrarse en una etapa muy avanzada de su enfermedad, Mercury logró interpretar el disco de manera sublime, lleno de emociones profundas y potentes.

Con David Richards y los propios “Queen” en la producción, “Innuendo” corresponde al décimo cuarto álbum de la agrupación y a la primera entrega de los años ‘90. Un registro de doce canciones, en las que Freddie, Roger, Brian y John retoman las raíces del rock más duro y progresivo de sus orígenes.

Este álbum alcanzó el número 1 en las listas del Reino Unido, mientras que el sencillo homónimo, marcado por un sello épico y guitarras flamencas, fue un éxito rotundo en todo el mundo.

Destacaron también otros cortes como “These are the days of our lives”, “I’m going slightly mad”, “Headlong” y “The show must go on”, con interpretaciones de antología de parte de Freddie Mercury.

Este último se lanzó como single en octubre de 1991 en UK, con la cara B de “Keep yourself alive”, de su LP debut de 1973. De esta forma, se sugería que “The show must go on” sería su sencillo de despedida con Mercury aun en vida.

 

“Guns N’ Roses” – “Use Your Illusion I & II”

Como parte de un ambicioso proyecto y de alto calibre, “Guns N’ Roses” lanzó ambos registros simultáneamente en la medianoche del 17 de septiembre de 1991. Sin límites ni conocer riesgos, el grupo comandado por Axl Rose y Slash quería conquistar al mundo entero y así lo logró.

“Use Your Illusion I” corresponde al tercer álbum de estudio de “Guns N’ Roses” y, a pesar de no abandonar en él la tendencia hard-rock de su debut “Appetite for Destruction”, sí marca la incorporación de nuevos elementos, tanto del blues como del rock clásico.

Además, aparece un nuevo aspecto estilístico, que tiene que ver con la extensión de las canciones. “November rain” alcanza los nueve minutos, con el récord Guiness por ser la más larga que ha estado en carteleras estadounidenses, mientras que “Coma” supera los diez minutos. “Don’t cry” y el cover de Paul McCartney, “Live and let die”, destacan entre las más populares, aunque otras como “You ain’t the first” aportan con una fascinante cuota ‘cowboy’ en su estado más puro.

“Use Your Illusion II”, en tanto, se caracteriza por el tono más oscuro y melancólico que imprime “Guns N’ Roses” en sus canciones. Entre ellas, piezas que han pasado a la historia como “Civil war”, “Yersterdays”, su versión de “Knockin’ on heaven’s door”, “You could be mine” y “Estranged”. Esta última, con más de 9 minutos justos y necesarios para el desarrollo de una canción íntima y magistral.

Con ventas que superan los 18 millones de copias, “Use Your Illusion II” elevó a la banda de Axl Rose al estatus de superestrellas y

debutó en el número 1 en el Billboard 200; mientras que el primer volumen debutó en el lugar 2, manteniéndose allí por varias semanas.

El fenómeno se extendió luego con una gira mundial de 28 meses, en la que el conjunto demostró con creces por qué “Use Your Illusion I y II” se ha ganado un espacio obligado en los libros del rock.

 

Por Erika Cabrera

 

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