Juan Francisco Pávez, autor de “Guía de supervivencia del músico emergente”: “Los músicos actuales debemos dejar de preocuparnos solo de la música”

Entrevista en profundidad

Lun 17 mayo, 2021 - Diego Montanari
Etiquetas: Fernanda Schell Guía de supervivencia del músico emergente Juan Francisco Pávez

El escritor, músico y publicista, Juan Francisco Pávez, desarrollo el libro, “Guía de supervivencia del músico emergente”, texto editado por Trayecto Editorial, donde él realiza un recorrido por su desconocida carrera y, también, la de otros diez músicos y músicas nacionales, con la finalidad de exponer la idea de dedicarse a un oficio que es la música en nuestro país.

El texto es un libro que sirve para músicos de trayectoria, tanto para los que están empezando a trabajar en la música, además, ayuda a reflexionar sobre la escena musical nacional desde diversas perspectivas.

Para saber más, conversamos con Juan Francisco.

1. ¿Cómo surge la idea de «Guía de Supervivencia del Músico Emergente»?

Daniel Castell (editor del libro) armó su banda a principios de 2017 y me empezó a preguntar cosas, desde como armar una tocata hasta dónde comprar efectos. Los audios de Whatsapp eran tan largos y con tanta información que me dijo “deberías escribir un libro sobre esto”.

 Al principio fue solo una humorada, nunca pensé en escribir un libro ya que siempre fui el más porro del colegio. Sin embargo, me animé ya que tenía mucha experiencia escribiendo de cine en internet y aquí estamos.

2.      La música siempre fue tu pasión, si bien, es complejo vivir en

chile, pero. ¿Cuál fue tu motivación para continuar este camino?

Uno no suelta a la música; yo he tenido tantos malos ratos que he mandado muchas veces todo a la punta del cerro, pero vuelvo y vuelvo. Incluso en mis 20s decía que a los 30 me retiraba porque ya no iba a estar para andar acarreando equipos a altas horas de la noche. Tengo 35 y estoy contando los minutos para que pase la pandemia y pueda tocar, ensayar, grabar, etc. El dicho que “la música lo elije a uno”, sé lo he escuchado a hartos músicos y puede sonar medio pachamám ico o místico, pero es muy cierto; no me lo explico de otra forma. 

3.      Dentro del libro se explican diferentes temas. ¿Qué criterio

¿utilizaste para exponer estos diferentes puntos y vivencias?

A medida que iba escribiendo salen más y más ideas, por ejemplo, cuando estaba escribiendo sobre tocar en vivo también se me ocurrió hablar sobre los videoclips; tenía un desorden enorme de contenido que no sabía bien donde poner. Recuerdo que un sábado estuve literalmente todo el día y gran parte de la noche ordenando y haciendo un esquema que me sirvió un montón para que finalmente el libro tuviera un contenido coherente y fuera fácil de leer. 

También seguí los consejos de mi editor (Daniel Castell) que me aconsejó incluir algunos temas que no tenía contemplado; por ejemplo, los tips de tocar en vivo y exponer a los problemas más frecuentes con los que me he topado. 

4.   ¿Qué tan difícil es el presente para un músico joven en comparación

a lo que viviste en los 2000?

Yo creo que todas las generaciones de músicos tienen sus ventajas y adversidades por igual. Incluso yo crecí con discursos de generaciones más viejas que se vivían martirizando, como si a ellos les hubiese tocado lo realmente difícil y yo estuviera en un paraíso.

Cuando chico me decían “ahora tú puedes comprar instrumentos, antes yo no podía”, luego me dijeron “tú puedes aprender canciones por tablaturas, antes yo tenía que sacar todo a oído”, luego “tú puedes grabar un disco, antes había que ser millonario para grabar uno” y así siempre. Perfectamente podría decir a un adolescente ahora “tú puedes aprender canciones con un tutorial de YouTube, yo antes las tenía que sacar con tablaturas que generalmente estaban malas”. O bien decirle “tú ahora puedes generar contenido en Instagram con tu teléfono, yo antes dependía de un amigo con cámara digital para subirla Fotolog”.

Vuelvo al principio, todas las generaciones tienen ventajas y desventajas, ahora está todo al alcance, pero hay mucha competencia; ahora puedes lanzar un proyecto con apenas una canción, lo cual monetariamente es una ventaja, pero debes tener contemplado un presupuesto en redes sociales con todas estas variables, no creo que haya una generación de músicos que tenga una real ventaja sobre otra.

5.      En esta segunda parte se encuentran variadas fuentes de bandas y

artistas como Fahrenheit (Carlos Cid y Carlos Otto), Solar (Alejandro

Gómez), Duna (Felipe Moreno), Angeline Bernini (The Fallacy, Gabriel Hidalgo e Inclusión), Cler Canifrú (Lilits), entre otros. ¿Por qué los seleccionaste?

Al principio tenía contemplado solo entrevistar a Fahrenheit, pero ellos mismos me recomendaron entrevistar a Alejandro Gómez por ejemplo. Por otro lado, dije “ya estoy en esta” y quise entrevistar a Felipe Moreno; ya que conozco Duna desde mi adolescencia, y cumplía con ser una banda emergente de décadas pasadas. Luego dije “me falta un productor”, y así incluí a Pepe Lastarria y finalmente quedaron todos los entrevistados

Cada uno cumple un “rol” dentro del libro, nadie está porque sí o por buena onda; a todos los entrevisté porque admiro mucho su trabajo. Eso sí quedaron un montón pendientes, por ejemplo Alejandro Silva o Ra Díaz. 

6.      De las experiencias de otros músicos que conociste y comentas en

los capítulos. ¿Cuáles son las que más te han impresionado y te han dado lecciones?

La entrevista con Pablo Martínez (baterista) yo creo que es una de las fundamentales del libro. La versión que se imprimió finalmente es un resumen que debe ser más o menos la mitad de la primera versión.  Cuando lo entrevisté fueron 5 o 6 horas de información, creo que cualquier persona que tiene una banda quisiera tener: cómo hacer las cosas, qué esperar, cómo resolver conflictos, las adversidades que enfrenta un músico profesional, cómo llegan a fin de mes, ser sesionista vs estar en una banda y un infinito etc.

Antes de entrevistar a Pablo yo creía tener mucha experiencia, pero creo que todos mis años en bandas han sido un día en la vida de Pablo, cuando terminamos la entrevista recuerdo que le dije “tú deberías haber escrito el libro”.

7.      ¿Cómo se podría mejorar la industria musical chilena?

Es un tema muy complejo; que yo creo que debe haber un cambio transversal desde el Estado hasta el músico. Por un lado, debería haber un mayor apoyo estatal para los proyectos artísticos, que tiene ser complementario a una capacitación y rendición por parte de los músicos. Y no me refiero solo a fondos, ojalá salieran leyes que de verdad se cumplieran; como el 20% de música chilena en las radios para todos (no para los de siempre), la Ley de Teloneo, etc.

También creo que hay un tema muy pendiente en el sistema de educación, la música y el arte en general deben dejar de ser vistos como pasatiempos u ocio, son disciplinas como cualquier otra.

Así mismo, los músicos debemos entender que la música es apenas un porcentaje del trabajo, existe una mentalidad como que simplemente por hacer música nos tocarán la puerta para llevarnos de gira por el mundo y eso no existe. Debemos aprender a hacer gestiones, generar contenido, ser profesionales desde el manejo de RRSS hasta el diseño de un flyer, etc. 

8.      Con todo el aprendizaje de tus años de carrera. ¿Qué cosas te

arrepientes de haber hecho como músico y que más quisiste integrar y

comentar en este libro?

Creo que mi principal error fue trabajar con la gente equivocada; personas arrogantes o que no tenían el mismo nivel de compromiso. Al final las personas con las que trabajas condicionan la experiencia de una banda completa.

No es lo mismo tener una tocata mala, y después como equipo planificar que la próxima salga mejor, a tener una tocata mala y que una persona amenace con irse de la banda, o que se vaya del recinto sin despedirse, por ejemplo, luego de ni siquiera haber ido a la prueba de sonido. Así mismo trabajar con integrantes que hay que enseñarles las canciones ensayo a ensayo o pedirles por favor que lleguen puntuales a ensayar.

Cometí el error de privilegiar la técnica versus la calidad como persona y eso me trajo muchos malos ratos. Increíblemente, luego de escribir el libro me di cuenta de que a mucha gente le pasa lo mismo, incluso a los profesionales.

Luego de este pilar fundamental, el error que he repetido incansablemente (y espero cambiar), es que con mis bandas nunca hemos tenido un presupuesto o una planificación para difusión en redes sociales, lo cual ha significado que nunca he tenido una banda conocida más allá de nuestros amigos. Esto tampoco es una garantía de nada, pero es un “desde” que hay que tener considerado sí o sí hoy en día. Los músicos actuales debemos dejar de preocuparnos solo de la música, aunque suene a una paradoja: la música es apenas un porcentaje del trabajo completo.

9.      ¿Cuál crees que fue la enseñanza que te marcó durante toda tu

trayectoria como músico?

La enseñanza que más me costó aprender es a no trabajar con cargas humanas. He tenido malas tocatas y como músico la he pasado mal en hartas circunstancias; pero nada como tener un integrante tóxico y aguantarlo porque toca bien o porque es mucho trabajo encontrar otro.

10.   ¿Qué se aprende desarrollando este libro?

Para mí ha sido una sorpresa que músicos infinitamente superiores a mí en todo sentido (técnica, experiencia) y otros que he conocido ahora que están recién empezando; tenemos casi todos los mismos problemas; que radican muchas veces en compañeros de banda conflictivos. Creo que puede haber un nicho muy grande en terapias para las bandas en Chile.

11.   ¿Qué proyectos musicales tienes?

Siempre he sido hombre de una sola banda. Actualmente estoy en una banda que armamos el 2019 y que alcanzamos a tocar una sola vez en vivo en el Bar de René. Lamentablemente nos pilló la pandemia cuando queríamos grabar, así que estoy siguiendo mi propio consejo de lanzar el proyecto cuando este todo bien armado. Apenas hemos podido ensayar este último año, pero estamos controlando las ganas y ansiedad de mostrar nuestro material para lanzarlo como corresponde.

Por Fernanda Schell

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