The Metallica Blacklist

Metallica

Mar 12 octubre, 2021 - Diego Montanari
Etiquetas: Metallica Pablo Rebolledo Bañados The Metallica Blacklist

Y llegó el día que muchos/as/es fanáticos/as/ques esperaron por meses, después de variados sencillos con versiones interesantes y otras peculiares, tenemos la lista completa de artistes y musiques que homenajearon el “Álbum Negro” de Metallica. Este homenaje es extenso, contando con una cantidad de 66 canciones, interpretadas en distintos sonidos y estilos musicales, acá el sonido de la banda toma una relevancia generacional importante, marcando un hito y expandiendo su legado con mayor dirección gracias a este compilado.

Trataremos de abordar esta reseña por orden, tomando cada canción del disco, y tratar de describir cada versión de esta misma, anotando rasgos agregados, producción y originalidad en todas sus interpretaciones. Empecemos:

Enter Sandman

La canción más icónica del disco, la que logró captar a muchos/as/es fanáticos/as/ques por su dureza y ritmo, escuchar la tensión ascendente de “Enter Sandman” siempre será un flashback de un cambio definitorio dentro del sonido de la banda.

Con ese riff pesado y rockero, la voz gruñida pero afinada de James Hetfield, y esa bajada donde las pesadillas más densas se convierten en realidad, este tema siempre ha permitido una flexibilidad notoria para darle diferentes toques en su interpretación.

Mac DeMarco logró un punto muy alto con este clásico, no por ser la adecuación más fiel, pero si uno/a/e no ve el nombre del artista en el reproductor, no cree que sea el artista indie rindiendo con peso y respeto al ADN de la canción. En cambio, lo de Ghost es esperable que tuviese más cercanía con su sonido más teatral, al igual que Weezer, quienes cumplen con la ejecución y un estribillo ahí que hace alusión a Buddy Holly entre medio.

Del otro lado, tenemos una gran re-interpretación pop rockera con Alessia Cara y The Warning, cambiando la estructura, agregando más sonidos cercanos a los 2000s y que obtiene lo mejor de esta mezcla que tiene una voz melódica/limpia, con riffs más modernos. La extravagancia experimental de Rina Sawayama otorga una visión cargada al pop experimental, con hyperpop entremedio y con beats electrónicos que acercan al Hombre de Arena hacía caminos industriales.

Juanes ha sido un fan acérrimo de Metallica desde su carrera con su banda “Ekhymosis”, también rindiendo tributo con versiones de “Seek and Destroy” durante sus presentaciones en vivo. Ahora, él toma su ADN solista, donde el rock y la música latina predominan, otorgando una entretenida percepción bajo su creativo. Es esperable que ciertos sonidos se puliesen más, y que de ahí también existiese algo del pop que ha trabajado en su extensa carrera musical.

CONCLUSIÓN: La mejor de estas canciones, bajo el alero de la genuinidad y el experimento, se lo gana Rina Sawayama. Hay algo rupturista, que podría también darse con como el grupo decidió cambiar su estilo en este track, y es más destacable en su compromiso de algo propio. El resto de los tracks, si bien tienen poder y fidelidad con la canción original, terminan siendo buenos covers solamente.

Sad But True

Esta corrida es super interesante la verdad, solo dos de las canciones tienen un apego a la original (Royal Blood y White Reaper), el resto son todas de estilos muy distintos, agregándole otra ambientación a una de las canciones más pesadas y amplificadas de este disco.

Pareciese que el imaginario que cada artista quiere darle acá es directamente una manera personal de soltar sensaciones intimas, como también visualizaciones totalmente modernas que le hacen justicia. Eso no deja que al final estos tracks tengan un sonido menos coherente en lo lineal, pero permiten una amplitud de una canción que es sencilla y concisa en su origen, pero que acá encuentra nuevos horizontes.

Sam Fender llega con su tonalidad sureña y con un piano melancólico, algo que demuestra un tipo de intimidad que logra otorgarle otro aire a esta canción ostentosa de actitud. Es más bien un acercamiento con gran capacidad emocional, arreglos embellecidos por cuerdas y con una vocalización entregada al sentimiento.

Con esos sonidos traídos directamente de los desiertos más secos y peligrosos de Texas, pues la versión country rock de Jason Isbell and the 400 Unit es entretenida, con constante uso del slice y un estilo vocal redneck que le otorga este sonido cowboy. Tiene un sonido muy local, pero si hablamos de eso, el reggaetón/cumbia/rock/experimental de El Instituto Mejicano del Sonido es una gozadera con pistas la canción original, con ritmos latinos traídos del reggaetón y con secciones rapeadas que está muy bien producida.

La mente creativa de St. Vincent nunca defrauda, y menos cuando se trata de uno de los grupos que la inspiró a seguir su propio camino musical con la guitarra. Su estética y sonoridad industrial pop logra darle una oscuridad más tecnológica a su composición, con efectos de electrónica y detalles adaptados en filtros ligados al cyberpunk. Es fresca y contagiosa en su propuesta.

YB aprovecha un 50/50 en su decisión de versionar “Sad But True”, teniendo una sección que es totalmente ligada a lo sofisticado combinado con big band, donde las secciones más pesadas terminan convirtiéndose en un tipo de metal fusión que logra calzar con un sonido ligado al ska.

CONCLUSIÓN: El instituto mejicano del sonido se lleva toda mi admiración, porque uno/a/e no espera que de una canción rockera y pesada como esta, pueda salir un track totalmente vacilón y adecuada al sonido de la música latina urbana como el reggaetón. Eso es el medio merito la verdad.

Holier Than Thou

Este tema conlleva una oscuridad más densa, algo más cuestionador y que realza el sentimiento de negar los orígenes religiosos que James Hetfield vivió a principios de su infancia, lo cual acá lo suelta con mayor énfasis a la crítica de esta. “Holier Than Thou” contiene ese fervor reprimido, y que suelta eso como un grito de desquite.

Biffy Clyro se la juega con una interpretación que goza de tintes de pop rock y con escapadas de synth que le dan un toque mucho más onírico en su ejecución, aprovechando también sectores donde las guitarras tienen su poderío, creando un tipo de canción inocente que después se ennegrece. The Chats le achunta con una mezcla de punk new wave y con voces agresivas como las de la original, con bajos subterráneos que muestran desprolijidad en el buen sentido, con guitarras más limpias, pero no menos intensas. OFF! Le pone el hardcore a su fórmula, agregándole adrenalina y dándole énfasis a los redobles de batería erráticos y potentes como los haría Lars Ulrich en sus años dorados, con un desquite final de trompetas y clarinetes Avant garde que vueve esta experiencia en una locura.

PUP se enfoca más en los efectos de los pedales y un sonido más solido de su propuesta, enfocándose en ponerle más aires y matices animosos en su interpretación. Corey Taylor en cambio le pega con su buen homenaje a la formula original, poniéndole talento con su distintiva voz.

CONCLUSIÓN: The Chats supo reinventar ese sonido con mayor creatividad y sin perder tanto el desquite, y quitándole lo producido, reemplazando eso por la crudeza en producción y aun asi sacarle mayor provecho a ese rasgo.

The Unforgiven

Una guitarra acústica que transmite tristeza y soledad, un ambiente fúnebre que es arremetido con un arrepentimiento post guerra que no cesa con el tiempo, y uno de los solos de guitarra con más sentimiento que el grupo ha creado en carrera.

Así es, “The Unforgiven” es de esas canciones inolvidables en el extenso catálogo de temazos que componen la trayectoria de Metallica, siendo un acercamiento más ligado al sentimiento que a la ejecución, y siempre creando momentos de total reflexión con una tensión serena.

En este caso, Cage The Elephant logró darles más énfasis a las melodías, respetando su estructura, pero jugando con armonías de voces distintas y tocando el solo tal cual, pero en su propia base musical. Suena renovado y sin perderle el rastro desolador que deja consigo, pero teniendo un alma más adolescente y sofisticada.

Vishal Dadlani, Divine y Shor Police ven esta canción como una que debe tener profundidad, esto representada en una voz barítono que logra darle ese toque poético necesario, con bases que tienen trap mínimo con orquesta de fondo, donde el rapeo le agrega sazón en otro idioma. No hay que tener lenguas parecidas para lograr transmitir la epicidad de ciertas secciones, y variando con el autotune en ocasiones, pero siempre subiendo la apuesta y poniéndole la pesadez de ese riff rítmico. Aun así, termina siendo algo más religioso o de iglesia en su conclusión, no es que quede mal, pero parece un poco apropiado de ese lado.

Con un secuenciador tranquilo, y guitarras sacadas de un garage con una voz melódica poderosa, Diet Cig le da vueltas al asunto, convirtiéndola en una canción con más enfoque en los power chords, siendo la letra el factor predominante con el que la identidad se queda. Flatbush Zombies y DJ Scratch le dan todo el toque con las pistas originales del track, poniéndoles percusiones más ligadas al hip hop, con voces rasposas centradas en las rimas propias, dándole más enfoque en los solos de tornamesa y creando una sonoridad más urbana de vieja escuela.

Ha*Ash se adentra en la oscuridad y sentimiento de esta, con una voz afligida que tiene a la guitarra acústica de fondo como su principal acompañante, con voces secundarias que le agregan belleza al coro. Después se convierte en una canción tipo folk con instrumentos del mismo estilo que le agregan esa sensación campestre, después cantando en español en una notable traducción al español, agregándole trompetas de bolero.

José Madero le pone más énfasis a los pianos y adornos que hacen la experiencia algo más onírico y tierno, mientras que Mosses Sumney le agrega su toque propio con el bajo siendo protagonista de esta versión, con mayor libertad de armónicos y estructura en su ejecución. La voz acá se convierte en una que puede improvisar y no perder su rumbo con esto.

CONCLUSIÓN: Todas tienen algo especial que entregar y se puede percibir la versatilidad que puede tener esta canción para cuando a diferentes artistas se le otorga la oportunidad de interpretarlo. En esta sección hay un empate.

Wherever I May Roam

Esos platillos orientales y esa guitarra que simula una citarra antes de entrar en una guerra campal, para cuando esa batería simplemente anuncia los primeros disparos de lo que será una batalla intensa. Esta canción debe tener de los detalles más característicos del disco, todos/as/es los/as/es fanáticos/as/ques recuerdan con facilidad la fuerza y misticismo con la que este track entra.

Acá entramos en la polémica que ardió a muches respecto a su visión, y es que el cover que hace J Balvin hizo que muchos puristas se sintiesen insultados respecto a como el artista popular de reggaetón quiso llevar su propuesta. Básicamente es una canción del artista con base de Metallica, no al revés, nada de la temática de la canción es representada, pero aún así Balvin logra su interpretación hablando sobre él y relacionando eso junto con la base del tema.

Chase Status y BackRoad Gee hacen algo parecido, pues el riff suena por toda la canción, donde aprovechan a rapearle con mayor énfasis en las subidas de electrónica, y poniéndole esfuerzo en crear secciones vacilonas con esto. The Neptunes aprovecha el beat continuo con sintetizadores electrónicos que ponen la voz de Hetfield con rítmicas de rave/industrial, que de a poco van adecuándose con adrenalina de este estilo. Jon Pardi en cambio decide darles aires más fieles a la original, es el único de estos que tiene la orgánica por sobre otra cosa.

CONCLUSIÓN: Esta sección fue totalmente dedicada a la electrónica/rap/urbano, y es que de alguna manera todes les involucrades percibieron que esa instrumental era más sampleable que otra cosa. Aún así queda gusto a poco en esta, no sé si haya algo que resalte más que la diversidad. No hay un veredicto.

Don´t Tread on Me

Duro y preciso, “Don´t Trea don Me” sintetiza de alguna manera el como evolucionó el sonido de la banda en este disco.

SebastiAn logra un tipo de collage musical, poniéndole una vibra funk sacada de la época de Prince, con la voz de James calzando perfecto con el compás y la vibra bailable con la que este parte sonando. Después por alguna razón, se convierte en un croosover con Nothing Else Matters, que logra una transición algo inesperada. Y después con beats pesados y trompetas épicas, todo se convierte en una sonata grande.

Portugal The Man nunca ha sido ajeno a sus influencias pesadas, si bien coquetean con el indie pop y el rock, han sido super abiertos en como sonidos más pesados han logrado moldear su sonido propio. Su versión de esta canción contiene esa dedicación con la cual el grupo siempre ha trabajado desde el comienzo, con gran afecto y sello propio. Con secciones más angelicales y otras aguerrilladas, este es el pack completo de lo que esta agrupación puede ofrecer.

Volbeat, al igual que su discografía, se la juega con algo más ligado al sonido tradicional de lo que se espera de una banda más ligada al hard rock. Simplemente pone la actitud sobre el volante, manejándolo con estilo y choreza.

CONCLUSIÓN: Corrida corta, y solamente teniendo tres canciones, el ganador definitivo es Portugal The Man, sintiéndose mucho más jugado con sus ideas y percepción de un tema como este.

Through The Never

Riffeando con estilo y nada más que disfrutando ese despliegue. Este track es disfrutable hasta para el oído menos metalero y puede ser digerida de alguna manera, con coros guerreros y sencillez en su ejecución.

The Hu nos transporte al desierto más áspero con su versión, que contiene charangos y violines, creando una sensación de extrañeza y absurdismo, mientras la voz es un golpe crudo y oscuro. Se aprovecha el recurso de las voces cantadas con garganta profunda y luego desenvolviéndose entre la localidad de su sonido y la estructura de su canción original.

Tomi Owó le viene a darle la cálida y sensual vibra del R&B a este tema, permitiendo una interpretación muy distinta que a ratos incluye punteos de guitarra eléctrica y también adornos que logran condensar de manera aceptable su propuesta. El final es vacilón y tiene frescura de sobra con el imaginario

CONCLUSIÓN: Dos cosas muy distintas en una corrida breve. The Hu le puso más bueno con su localidad, pero el experimento musical que logró Tomi Owó es notable, así que su versión es la que se queda como la mejor.

Nothing Else Matters

La canción más popular de la banda por lejos, debe haber montones de covers a esta canción que quiso abrir el corazón de James Hetfield hacia algo más sincero y no tan rudo. Acá todo cumple el rol de ser una balada de tomo y lomo bajo el sello de Metallica, con letras sentidas y un aura totalmente serena.

Acá cada cover cumple el rol de ser una mirada personal propia, donde las guitarras acústicas y ambientación entregándonos la corrida más larga de todas, contando con 12 canciones. Mon Laferte le agregó su toque latino y la traducción con una interpretación única, Miley Cyrus logró demostrar una vez más porque es la cantante respetada que es en la actualidad y hasta Dave Gahan de Depeche Mode quiso rendirle honores a este track hermoso.

Mickey Guyton le agrega modernidad con aplausos midi y una atmosfera más oscura, Dermot Kennedy aprovecha la afinidad sentimental del piano a su favor, rasgo que Igor Levit soltó con mayor enfoque en este instrumento, desnudando su alma con creces. Acá todes tienen algo muy bonito que mostrar en esta lista que incluye a Chris Stapleton, TRESOR, My Morning Jacket con algo más alegre, y PG Roxette con más teatralidad.

CONCLUSIÓN: Miley Cyrus ganó desde que fue lanzado ese sencillo. Simplemente hermoso lo que logró.

Of Wolf and Men

Acá solo existe un solo cover que es de autoría de Goodnight, Texas, quién claramente prefirieron darle el toque folk en todo su sentido. Algo más de lo que otras canciones hicieron en este transcurso, con un gran enfoque en las voces cantadas y esas palmas percutivas características del género.

The God That Failed

Esta canción representa el total repudio de James con las religiones, y de como estas incluso permitieron la muerte de su madre, que de no ser por ellas y sus absurdas reglas, estaría viva hoy. Todo esto, porque en la iglesia de la cual pertenecían les prohibía usar medicamentos para el tratamiento con el cáncer.

IDLES en su propia ley destruye el tema, mantiene el bajo, pero hace lo que quiere con estruendosas guitarras y efectos que agregan ese toque rebelde con el cual desmiembran todo a punta de gritos desprolijos pero eficientes. Algo muy esperable de una banda que se ha dedicado a versionar otras canciones de otras bandas, sin pensar en las consecuencias de esto, lo cual es admirable de alguna manera. El hazlo por ti mismo por excelencia.

Con un rock desértico, pues Imelda May viene a darle más Groove y onda a una canción que es más densa en su lírica. Contiene más cambios rockeros y blueseados, con mayor enfoque en la voz con más dinámicas melódicas.

CONCLUSIÓN: IDLES puede hacer sonar un disparate como algo serio. No se es raro, acá lo lograron totalmente.

My Friend of Missery

Esta canción debe contener de los bajos más reconocibles de Jason Newsted en su estadía con la banda. Es un tema que se percibe mucho más cercano a algo complejo y con otro tipo de textura, con mayor énfasis en su ambiente que en otra cosa.

Cherry Glazer le agrega el factor industrial y pop con profundidad, en donde los detalles como guitarras o bajos se modernizan con mayor sonoridad de computadora. Izïa propone a los sintetizadores y la musicalidad como el principal cambio, teniendo otra versión pop de esta canción.

Kamasi Washington se atreve con mayor seguridad a proponer una idea sofisticada y que mezcla música lounge con vanguardia, creando un tipo de big band con esta canción que, en este tipo de interpretación, expande los límites de este.

Conclusión: Kamasi Washington hizo lo más original acá.

The Struggle Within

Hay sola una canción acá, y es de Rodrigo y Gabriela, el cual es un tipo de tango instrumental que entretiene en toda su escucha.

Por Pablo Rebolledo Bañados

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